En este proyecto la sonrisa se convierte en perverso homogenizador a la hora de exhibir las imágenes de una serie de personajes con apariencia y expresión feliz; la sonrisa se establece de esta forma como el discurso transversal que unirá los retratos que conformaran la obra.

El proyecto explora la relación que se establece entre los sistemas de captación de imagen y la proyección que cada uno de nosotros hacemos de la nuestra propia. “Happy People” se ejecuta con una cámara digital que incorpora el sistema “detección de sonrisas”, este sistema acciona el disparador de la cámara sólo cuando el sujeto al que se fotografía sonríe; “Happy People” se interesa por este criterio de selección como elemento decisivo en la acción de disparo de una instantánea de retrato; los sujetos no-sonrientes no serán capturados por la cámara y por lo tanto no estarán registrados en la tarjeta de la misma; se tratará pues de una no-edición de las imágenes por la actitud positiva/negativa ya que todos los retratados tendrán una actitud/expresión facial parecida que pretende generar el efecto de una felicidad aparente generalizada.

Fecha: Del 8 al 17 de enero de 2009 (work in progress) y del 22 de enero al 14 de febrero de 2009 (exposición)
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Data: Del 8 de gener al 13 de febrer de 2009
Lloc: Espai SETBA - Zona d’Art, Plaça Reial 10 - 1r 2a, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Hernan Galbiati. Fotògraf nascut a la Patagònia argentina que actualment resideix a Barcelona. Durant l’últim any ha col·laborat als cursos de fotografia que imparteix l’Associació Finmatun al Centre Penitenciari de Joves de La Trinitat. Ha fet exposicions individuals i col·lectives a Buenos Aires, Madrid i Barcelona i va ser finalista del 6è Festival de Reportatge Fotogràfic de Schömberg a Alemanya.

Data: Del 7 al 31 de gener de 2009
Lloc: Llibreria Altaïr, Gran Via de les Corts Catalanes 616, 08007 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Data: Del 7 al 30 de gener de 2009
Lloc: Fotoespai Barcelona Centre d’Imatge, C/ Coroleu 74, 08030 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

• Fotoblog del Año: A Walk Through Durham Township
• Fotoblog más popular: c h r o m a s i a
• Mejor fotoblog de América: MUTE
• Mejor fotoblog de Asia y Oceanía: fotologs.cn
• Mejor fotoblog de Europa: Vanilla Days
• Mejor fotoblog de reciente creación: Ilan Bresler Photography
• Mejor fotografía de paisaje: Absolutely Nothing
• Mejor fotografía en blanco y negro: look-s
• Mejor diseño de fotoblog: nissou*

• Iniciació a la fotografia (nivell I)
• Curs pràctic de tècnica i teoria fotogràfica (nivell II)
• Curs pràctic de tècnica i teoria fotogràfica (nivell III)
• Fotografia en blanc i negre
• Fotografia digital
• Iniciació al laboratori
• Fotografia per a joves
• Animació amb plastilina
• Nu
• Fotografia d’autor
• Tècniques avançades de laboratori en blanc i negre
• Fotoperiodisme
• Adobe Lightroom
• L’emulsió fotogràfica
• Fotoreportatge, un viatge a la quotidianitat
• Fotografia d’arquitectura històrica
• Pintar amb llum al laboratori
• Tècniques digitals
• Divagacions i quelcom més sobre el retrat
• Tractament d’arxius en format Raw

Més informació (temaris, dates, horaris, preus, etc…) a:

Espai Fotogràfic Can Basté

Data: Del 7 de gener al 22 de febrer de 2009
Horari: 2 hores abans de la funció del dia
Lloc: Sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure, Pg. Santa Madrona 40-46, 08038 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

• La mirada fotogràfica
• Fotografia d’autor: Buscant el propi estil
• Fotografia viatgera
• Fotografia bàsica digital
• Taller pràctic de fotografia digital

Més informació (temaris, dates, horaris, preus, etc…) a:

Casa Elizalde

Laura Brunow Miner, una de las responsables de la revista, cuenta, “nos gustaría haber encontrado la manera de mantener la web en pie como agradecimiento a la gente que ha hecho de JPG Magazine lo que hoy es, y hemos pasado muchas noches sin dormir intentando encontrar una solución, pero no ha servido de nada”, y anima a todos los lectores a “bajar los PDFs de los números atrasados, los descartes y las selecciones de los desafíos fotográficos”.

Es una pena que una iniciativa tan interesante como ésta se vea truncada por culpa de la actual crisis económica. JPG Magazine era una de las pocas publicaciones que realmente aprovechaba las virtudes interactivas de la red.

“El meramente curioso no tiene derecho… El Zen, como toda mística, será comprendido únicamente por un místico que… no sucumbirá a la tentación de obtener en forma subrepticia lo que la experiencia mística le niega” (Nota del traductor en: Zen en el arte del tiro con arco)

En la charla de Pepe Baeza me enteré Braque le había recomendado a Henri Cartier-Bresson la lectura del libro Zen en el arte del tiro con arco de Eugen Herrigel.

Con este artículo pretendo explicar lo que llamo Fotografía intuitiva. Es el estilo de fotografía que más he practicado y desde que sé que HCB basaba su fotografía en el libro de Herrigel he descubierto que mi actitud detrás de la cámara se basa en los mismo principios que se basaba HCB, pero con algunas diferencias.

Algunas frases que podrían resumir las ideas de HCB sobre lo que él llamaba Fotografía del Natural, que están muy relacionadas al pensamiento budista y al libro de Herrigel:

• “Fotografiar, es poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira”

• “Me inspiraba, sobre todo el deseo de atrapar en una sola imagen lo esencial que surgía de la escena”

• “…basta con ser lúcido respecto a lo que ocurre y ser honesto con respecto a lo que se siente.”

Para quienes estén interesados en leer los artículos de HCB completos podéis leer Fotografiar del natural y El instante decisivo en el blog, pero os recomiendo comprar el libro.

En el Zen la consecuencia no requiere una causa. A diferencia del racionalismo ilustrado y nuestras raíces judeocristianas es más sencillo: solo importa el ahora, el momento.

Aunque yo crea poder explicarlo y tú poder entenderlo ninguna de las dos cosas tiene sentido, hay que experimentarlo. Y la verdad es que tampoco hace falta recluirse en un monasterio para vivirlo, todo lo contrario… y ¡tampoco hace falta ser místico! El momento trasciende al Zen.

Aunque no soy cinturón negro de nada creo que mi experiencia es suficiente para saber un poco de artes marciales. Los practicantes de un arte marcial se ejercitan a diario mecanizando movimientos que se sincronizan con la respiración y una actitud. Fácil de decir, estas tres etapas (movimiento, respiración, actitud-sentimiento) pueden llevarle una vida al estudiante… una vida o un instante. ¿Un instante? Sí, pero eso lo dejo para debates cara a cara.

El objetivo final de los ejercicios de un arte marcial es que el guerrero, al ser atacado, no piense solamente actúe. Ese acto de defensa es considerado arte porque es la combinación de técnica aprendidas durante años que son escogidas de manera automática por el guerrero-artista y ejecutadas sin pensar, sin esfuerzo y sin ninguna intención, simplemente ocurren. La combinación escogida es única e irrepetible.

¿Alguien piensa que un bailarín calcula cada movimiento que hace en una función? Las artes marciales, simplificando, son como la danza o la música un conjunto de habilidades tan interiorizadas que “simplemente ocurren”… como un solo de guitarra o esquivar un obstáculo mientras conducimos una bicicleta.

¿Qué tienen que ver el arte del tiro al arco, la fotografía (según HCB), el Aikido y el Hip-hop?

Usar el cerebro de manera no lingüística, como no soy un experto en inteligencias, tal vez estas tres características ayuden a explicarme:

• la anulación del racionalismo, o control consciente, en el momento de la acción

• la explotación del subconsciente

• inteligencia espacial

No hay nada de mágico en el asunto y no es propiedad de los orientales, solo que los occidentales hemos tragado, queriéndolo o no, a Descartes y su famosa “pienso, luego existo”. Los orientales saben que existen también mientras duermen… suerte que a algunos humanos no se les olvidó.

Para hacerlo, aún más, pagano, otro ejemplo: cuando estamos en un espacio lleno de personas, a veces, reconocemos a una de ellas por encima de todas, por ejemplo a alguien especialmente atractivo, pero no le estábamos buscando. Se acostumbra pensar que esa persona hace algo para ser más visible, pero no es realmente así. La mayoría de las veces nuestro subconsciente la reconoce y nos llama la atención. El subconsciente reconoce un patrón y “toca el timbre”, pero nosotros estábamos hablando de fútbol, política o fotografía. Así, funcionan las artes marciales. El entrenamiento convierte la técnica en instinto.

En el momento de la toma hay dos grandes problemas a solucionar: la máquina y el arte. La máquina y todos sus detalles técnicos requieren un aprendizaje que depende de la complejidad del aparato, no es lo mismo disparar una D300, una rangefinder de carrete o una Lomo.

Más o menos costoso, con la práctica, cualquier máquina es dominable. La práctica y cierto grado de conocimientos en este aspecto es necesario, pero solo hasta el punto de que no nos quiten tiempo cuando estamos disparando, cuando estemos frente al sujeto.

Es infinitamente más sencillo disparar una cámara que invertir la fuerza de un atacante para hacerle volar tres metros solo utilizando las manos como en Aikido.

Muchas veces me han preguntado cómo configuro la cámara y, los tecnócratas de la fotografía, no me suelen creer cuando digo: en automático. Cuando estoy en la calle, la mayoría de las veces mi cámara va en P, ISO-auto y enfoque automático. Mi D300 sabe más de técnica que yo. Si dejo el balance de blancos fijo es por una costumbre analógica “day-light”, romanticismo, más que otra cosa.

Lo importante es respirar, ver, oler, escuchar, abrir el subconsciente dejándole que me guíe y no pensar en la cámara.

¿Componer? No, respirar. Todas las reglas de composición vienen del estudio de cómo miramos. Estudian cómo nuestro subconsciente analiza una imagen. Dejemos que el subconsciente vea y no necesitaremos saber cómo meter la realidad dentro del encuadre. Porque ese es el primer error, creer que hay que hacer algo. Lo primero que nos enseñan cuando hablan de composición es que estamos recortando la realidad y metiéndola dentro de un cuadro… triste reminiscencia pictoralista. Nuestros ojos no ven el universo entero recortar está en nuestra naturaleza, no podemos evitarlo. Siempre estamos eligiendo qué vemos, a qué parte de nuestro campo visual, ya limitado, le prestamos más atención. Nuestros ojos no tienen zoom, pero nuestro cerebro sí.

Volviendo al ejemplo pagano de antes, cuando una persona muy atractiva entra en una habitación y nuestra vista se dirige hacia ella nuestro angular es el mismo, no cambiamos de ojos, pero nuestra atención se centra, y por un instante, no hay nada más en la habitación. Tal vez nos haya atrapado su camisa roja, el color de sus ojos, sus curvas o cualquier detalle, pero en ese instante nuestros “ojos” no ven nada más.

Conseguir eso con una cámara es la primera parte de la fotografía intuitiva y hasta aquí coincido con HCB. Pero para mi la cosa va más allá. Utilizo la misma intuición en la edición.

¿Cómo escoger entre tres disparos casi iguales? Sin pensar, el primer pensamiento es el correcto. Otra vez baso mi decisión en la capacidad subconsciente de ver más que lo que puedo entender.

Esto no quiere decir que no haya que pensar, se puede reflexionar todo lo que se quiera, justo hasta que tienes que disparar, en el momento decisivo la mente deber estar desconectada.

Jodi Cobb, reconoce que una de sus fotos de portada de National Geographic fue un reflejo, no vio lo que estaba fotografiando, solo eran unas sombras en un instante. Unas sombras en un instante portada de National Geographic eso es fotografía intuitiva, o fotografiar del natural.

La foto que encabeza el articulo es una de mis fotos intuitivas. Le tengo particular cariño porque realmente no tenía ni idea de lo que hacia, ni cuando disparé, ni cuando la seleccione. Era la primera vez que asistía a la Campus Mac para dar una clase de fotografía. Al terminar quise caminar un poco y hacer unos disparos de recuerdo. Me llamó mucho la atención los cables y las conexiones. La Campus Mac, es un encuentro entre fans de Apple que quieren aprender, conocer a otros fans y divertirse, conectarse, en definitiva.

Al llegar a casa quería colgar el PDF de la presentación y necesitaba una foto. Estaba cansado y no quería comerme el coco y seleccioné sin prestar demasiada atención esta foto, en la que casualmente, todo se conecta. Estoy seguro de que si lo hubiera querido hacer no me hubiese salido. ¿Habéis visto la velocidad a la que se mueven esos protectores de pantalla? ¿Qué probabilidad había de que casi todas las líneas del protector conecten con un cable? ¿Esa foto es una casualidad? Para mi no lo es. No hay casualidad, es intuición, dejar que el subconsciente tome el control y encuentre el momento decisivo porque es infinitamente más rápido y capaz de ver que nuestra razón… y no hace falta ser monje Zen para experimentarlo, solo dejarse llevar.

De camino a la charla pensaba “el pesado de Cartier-Bresson otra vez ¿no hay otro de quién hablar?” pero como el ponente era Pepe Baeza me anime a ir y valió la pena, la ponencia fue amena y el tema me ha hecho revisar todo lo que pienso sobre fotografía.

La fascinación que todo el mundo parece tener por Henri Cartier-Bresson me tiene harto. ¿La fotografía solo es un instante? William Klein decía la vida de un fotógrafo son unos segundos, la suma de cientos de instantes a 1/125s. ¿Cuántas fotografías llegas a conocer de un fotógrafo? Se preguntaba ¿Cuanto conoces de su vida 1 segundo, 2…?

Entiendo que cierto tipo de fotografía se rinde al momento, pero el culto a HCB me parece desproporcionado. Cuando vi por primera vez A View From an Apartment me fascinó, más lo hizo cuando me enteré que Jeff Wall había alquilado el piso y hecho vivir a una de las modelos en él por casi un año para hacer la fotografía. Definitivamente hay más en la fotografía que “el instante decisivo”.

Pero esta “rabia” proviene más de la marca HCB que de su fotografía o su pensamiento. Siendo realistas sin marketing nada tiene éxito y HCB hizo un excelente marketing de su trabajo, tanto que se convirtió en un Dios de la fotografía y eso me molesta.

Una de las frases de Pepe fue lo que acabo de desatar mi furia, una recurrente en las charlas y en todas las conversaciones “artísticas” relacionadas a la fotografía: “la coherencia”. ¿Qué es ser coherente? Por lo que he llegado a entender ser coherente es algo así como ser inútil, es decir, hacer lo mismo durante toda la vida, y, además defenderlo. Una cosa es trascender por una etapa de tu desarrollo artístico, como podría ser el cubismo, pero otra, muy diferente es haber utilizado solo una técnica durante toda tu carrera. Si después de 10 años de hacer lo mismo no lo haces mínimamente bien o no te has inventado un “discurso” para venderlo es que eres demasiado inútil, es decir, que no llegas ni a ser coherente.

¡Ah! Por cierto, ¡Cindy Sherman también es coherente! Y es aún más inteligente, deja que el discurso se lo escriban mientras sigue jugando a disfrazarse frente a la cámara, como lo hacía por hobby en las fiestas de adolescente…

Todas estas rabietas tienen un cosa en común, el mercado del arte. Ser “coherente” es la única manera de ser vendible. El mercado es corto de vistas, no entiende sino es capaz de encasillar. Haz de tener “un estilo”, “ser reconocible”, “ser marca” y la mejor manera de conseguirlo es hacer siempre lo mismo.

Guillermo, victima contestataria de mis dudas existenciales, me dijo que buscaba genios no fotógrafos… vamos, que “se me iba la perola”… Tal vez pido demasiado. Es que soy de los que creen en la búsqueda, estoy acostumbrado a ver retrospectivas de artistas que han hecho de todo en su vida y durante toda su vida.

¿Qué pasaría si Metálica se pusiera a tocar Sardanas? ¿Les dejarían? ¿Sabrían? Tranquilos la discográfica no les dejará.

Lo que no me esperaba era la relación con el budismo, eso cambio mi relación de aburrimiento-odio a una de amor-odio con HCB. Esto es lo que me hecho publicar la entrada con tanto retardo. Pepe ha conseguido que me lea Fotografiar del natural y Zen en el arte del tiro con arco y medite sobre cómo fotografío, cómo miro, he mirado y quiero mirar. El resultado es Fotografía intuitiva.

Cardenal de Retz

Siempre he sentido pasión por la pintura. Cuando niño, pintaba los jueves y los domingos, y los otros días soñaba con pintar. Tenía una cámara Brownie como muchos niños pero sólo la utilizaba de vez en cuando para llenar pequeños álbumes con mis recuerdos de vacaciones. Hasta mucho más tarde no empecé a aprender a mirar a través del aparato; mi pequeño mundo se ensanchaba y las fotografías de vacaciones contribuyeron a ese fin.

También estaba el cine, Los misterios de Nueva York, con Pearl White, las grandes películas de Griffith, Lirios rotos, los primeros filmes de Stroheim, Avaricia, los de Eisenstein, El acorazado Potemkin, luego la Juana de Arco, de Dreyer; me enseñaron a ver. Más tarde, conocí a unos fotógrafos que tenían pruebas de Atget; me impresionaron mucho. Entonces fue cuando me compré un trípode, un velo negro, un aparato de 9 x 12 de nogal encerado, equipado con un tapón de objetivo que hacía las veces de obturador; esto me permitía enfrentarme únicamente a lo que no se movía. Los otros temas eran demasiado complicados o me parecían demasiado amateurs; de esta manera yo creía estar dedicándome al “Arte”. Revelaba y positivaba yo mismo los negativos en una cubeta y ese bricolage me divertía. Apenas me daba cuenta de cuando los papeles estaban demasiado contrastados o, por el contrario, atenuados; pero, lo cierto es que no me preocupaba en absoluto, aunque montaba en cólera cuando las imágenes no salían.

En 1931, con veintidós años, me marché a África. En Costa de Marfil me compré una cámara, pero hasta la vuelta, al cabo de un año, no me di cuenta de que estaba llena de moho; todas las fotos salieron sobreimpresionadas con helechos arborescentes. Como por aquel entonces estaba muy enfermo, dediqué mi tiempo a curarme; una pequeña mensualidad me permitía ir tirando, trabajaba encantado y por placer. Había descubierto la Leica: se convirtió en la prolongación de mi ojo y ya no me abandonó jamás. Caminaba durante todo el día con el espíritu tenso, buscando en las calles la oportunidad de tomar fotografías del natural como si fueran flagrantes delitos. Me inspiraba, sobre todo, el deseo de atrapar en una sola imagen lo esencial que surgía de una escena. Hacer reportajes fotográficos, es decir, contar una historia en varias fotos, era una idea que no se me había ocurrido nunca; hasta más tarde, no aprendí, poco a poco, a hacer un reportaje contemplando el trabajo de mis amigos de oficio y las revistas ilustradas, para las que empezé a trabajar.

Circulé bastante, pese a que no sepa viajar. Me gusta hacerlo con lentitud, poniendo atención en los cambios entre países. En cuanto llego, siempre siento el deseo de establecerme ahí para llevar la vida del país, en la mayor medida posible. Yo no serviría para globe-trotter.

Con otros cinco fotógrafos independientes fundamos en 1947 nuestra cooperativa, Magnum Photos, que difunde nuestros reportajes fotográficos a través de revistas francesas y extranjeras. Sigo siendo un amateur, pero he dejado de ser un diletante.

El reportaje

¿En qué consiste un reportaje fotográfico? En ocasiones una única foto cuya forma tenga el suficiente rigor y riqueza, y cuyo contenido tenga la suficiente resonancia, puede bastar; pero eso se da muy raramente; los elementos del tema que hacen saltar la chispa son a menudo dispersos; uno no tiene el derecho de juntarlos a la fuerza, ponerlos en escena sería una falsedad: de ahí la utilidad del reportaje; la página reunirá esos elementos complementarios repartidos en varias fotos.

El reportaje es una operación progresiva de la mente, del ojo y del corazón para expresar un problema, para fijar un acontecimiento o impresiones sueltas. Un acontecimiento tiene una riqueza tal que uno le va dando vueltas mientras se desarrolla. Se busca la solución. A veces se halla al cabo de unos segundos, otras se requieren horas o días; no existe la solución estándar; no hay recetas, hay que estar preparado como en el tenis. La realidad nos ofrece tal abundancia que hay que cortar del natural, simplificar, aunque ¿se corta siempre lo que se debe? Es necesario adquirir, con el propio trabajo, la conciencia de lo que uno hace. A veces, se tiene la sensación de que se ha tomado la fotografía más fuerte y, sin embargo, sigue uno fotografiando, incapaz de prever con certeza cómo seguirá desarrollándose el acontecimiento. Mientras tanto, evitaremos ametrallar, fotografiando deprisa y maquinalmente, para no sobrecargamos con esbozos inútiles que atestan la memoria y perjudican la nitidez del conjunto.

La memoria es muy importante, memoria de cada fotografía que, al galope, hemos tomado al mismo ritmo que el acontecimiento; durante el trabajo tenemos que estar seguros de que no hemos dejado agujeros, de que lo hemos expresado todo, puesto que luego será demasiado tarde, no podremos recuperar el acontecimiento a contrapelo.

Para nosotros, existen pues dos selecciones y, por lo tanto, dos reproches posibles; uno cuando nos enfrentamos a la realidad con el visor, otro, cuando las imágenes están reveladas y fijadas y se ve uno en la obligación de separar aquellas que, aunque justas, son también las menos fuertes. Cuando es demasiado tarde, se sabe exactamente por qué se ha fallado. A menudo, durante el trabajo, una duda, una ruptura física con el acontecimiento nos crea la sensación de que no hemos tenido en cuenta tal detalle en el conjunto; otras veces, con bastante frecuencia, el ojo se ha dejado ir con indolencia, la mirada se ha vuelto vaga. Es suficiente.

En cada uno de nosotros es nuestro ojo el que inagura el espacio que va ampliándose hasta el infinito, espacio presente que nos impresiona con mayor o menor intensidad y que se encerrará rápidamente en nuestros recuerdos y se modificará en ellos. De todos los medios de expresión, la fotografía es el único que fija el instante preciso. Jugamos con cosas que desaparecen y que, una vez desaparecidas, es imposible revivir. No se puede retocar el tema; como mucho se puede hacer una selección de imágenes para la presentación del reportaje. El escritor dispone de tiempo para reflexionar antes de que la palabra se forme, antes de plasmarla en el papel; puede enlazar varios elementos. Hay un periodo en que el cerebro olvida, una fase de asentamiento. Para nosotros, lo que desaparece, desaparece para siempre jamás: de ahí nuestra angustia y también la originalidad esencial de nuestro oficio. No podemos rehacer nuestro trabajo una vez que hemos regresado al hotel. Nuestra tarea consiste en observar la realidad con la ayuda de ese cuaderno de croquis que es nuestra cámara; fijar la realidad pero no manipularla ni durante la toma, ni en el laboratorio jugando a las cocinitas. Quien tiene ojo repara fácilmente en esos trucajes.

En un reportaje fotográfico llega uno a contar los disparos, un poco como un árbitro y, fatalmente, se convierte en un intruso. Es preciso, pues, aproximarse al tema de puntillas, aunque se trate de una naturaleza muerta. Sigiloso como un gato, pero ojo avizor. Sin atropellos, “sin levantar la liebre”. Naturalmente, nada de fotos de magnesio, por respeto a la luz, aunque esté ausente. De lo contrario, el fotógrafo se convierte en un ser insoportablemente agresivo. Este oficio depende tanto de las relaciones que establecemos con la gente, que una palabra puede estropearlo todo, y hacer que todas las puertas se cierren. Tampoco en esto hay un único sistema, lo mejor que puedes hacer es que te olviden, al fotógrafo y a la cámara que es siempre demasiado visible. Las reacciones son muy distintas según el país y el medio; en Oriente, un fotógrafo impaciente o apresurado se pone en ridículo, lo que es irremediable. Si alguna vez nos vencen las prisas, o alguien ha reparado en tu cámara, basta con olvidar la fotografía y dejar, amablemente, que los niños se reúnan a tu alrededor.

El tema

¿Cómo negar el tema? Se impone. Y puesto que hay temas tanto en lo que ocurre en el mundo como en nuestro universo personal, basta con ser lúcido respecto a lo que ocurre y ser honesto respecto a lo que uno siente. En definitiva, basta con situarse en relación a lo que se percibe.

El tema no consiste en recolectar hechos, ya que los hechos por sí mismos no ofrecen interés alguno. Lo importante es escoger entre ellos; captar el hecho verdadero con relación a la realidad profunda.

En fotografía, lo más pequeño puede constituir un gran tema, un pequeño detalle humano convertirse en un leit-motiv. Vemos, y hacemos ver, en esta especie de testimonio, el mundo que nos rodea, y es el acontecimiento, a partir de su misma función, lo que provoca el ritmo orgánico de las formas.

En cuanto a la manera de expresarse, hay mil y una maneras de destilar lo que nos ha seducido. Dejemos pues a lo inefable toda su frescura, y no volvamos a hablar de ello…

Existe un territorio que la pintura ya no explota, el retrato, y algunos dicen que la fotografía es la causa de ello; de todos modos, la fotografía lo ha recuperado en parte, en forma de ilustraciones. Pero no debemos achacarle a la fotografía el que los pintores hayan abandonado uno de sus grandes temas.

La levita, el quepis, el caballo, repelen en estos momentos al más académico de los pintores que se sentirá estrangulado por todos los botones de las polainas de Meissonier. Nosotros los aceptamos, tal vez porque nuestra obra es menos permanente que la de los pintores; ¿por qué deberían molestarnos? Más bien nos divierten, ya que, a través de nuestra cámara, aceptamos la vida en toda su realidad. La gente anhela perpetuarse en su retrato y le tiende su perfil a la posteridad; este deseo a menudo está entreverado de un cierto temor mágico: este deseo nos justifica.

Uno de los aspectos más emotivos de los retratos consiste en intentar hallar similitudes entre los hombres que se representan, de encontrar elementos de continuidad en todo lo que describe su medio; en un álbum de familia, confundir al tío con el sobrino. Pero, si el fotógrafo puede captar el reflejo de un mundo, tanto exterior como interior, es porque las gentes están “en situación”, como se suele decir en el lenguaje teatral. El fotógrafo, pues, deberá respetar el ambiente, integrar el hábitat que describe el medio, evitar sobre todo el artificio que mata la verdad humana y conseguir, también, que se olvide la cámara y el que la manipula. El material complicado y los proyectores impiden, en mi opinión, que “salga el pajarito”. ¿Hay algo más fugaz que una expresión en un rostro? La primera impresión que da ese rostro suele ser muy justa, y si bien se enriquece a medida que frecuentamos a la persona, se hace cada vez más complicado poder expresar su naturaleza profunda a medida que adquirimos un conocimiento más íntimo de ella. Considero que es bastante peligroso ser retratista cuando se trabaja por encargo para determinados clientes ya que, aparte de algunos mecenas, todo el mundo quiere quedar favorecido, y se pierden los vestigios de lo verdadero. Los clientes desconfían de la objetividad de la cámara mientras que el fotógrafo busca la agudeza psicológica; el encuentro entre estos dos reflejos hace que se genere un cierto parentesco entre todos los retratos de un mismo fotógrafo: una semejanza que surge de la relación que se establece entre las personas retratadas y la estructura psicológica del mismo fotógrafo. La armonía se encuentra en la búsqueda del equilibrio a través de la asimetría propia de cada rostro, lo que evita tanto la suavidad excesiva como lo grotesco.

Al artificio de determinados retratos, prefiero, con mucho, esas pequeñas fotografías de identidad que se aprietan, unas contra otras, en los escaparates de los fotógrafos de estudio. Siempre cabe la posibilidad de descubrir en estos rostros una identidad documental, a falta de la identificación poética que uno esperaría obtener.

La composición

Para que un tema posea toda su identidad, las relaciones de forma deben estar rigurosamente establecidas. Se debe colocar la cámara en el espacio en relación al objeto, y ahí es donde empieza el gran dominio de la composición. La fotografía es para mí el reconocimiento en la realidad de un ritmo de superficies, líneas o valores; el ojo recorta el tema y la cámara no tiene más que hacer su trabajo, que consiste en imprimir en la película la decisión del ojo. Una foto se ve en su totalidad, de una vez como un cuadro; la composición es en ella una coalición simultánea, la coordinación orgánica de elementos visuales. No se compone gratuitamente, se precisa, de entrada, tener la necesidad de ello y no se puede separar el fondo de la forma. En fotografía, hay una plástica nueva, función de líneas instantáneas; trabajamos en el movimiento, una especie de presentimiento de la vida, y la fotografía tiene que atrapar en el movimiento el equilibrio expresivo.

Nuestro ojo debe medir constantemente, evaluar. Modificamos las perspectivas mediante una ligera flexión de las rodillas, provocamos coincidencias de líneas mediante un sencillo desplazamiento de la cabeza de una fracción de milímetro, pero todo esto, que sólo se puede hacer con la rapidez de un reflejo, nos evita, afortunadamente, la pretensión de hacer “Arte”. Se compone casi al mismo tiempo en que se aprieta el disparador y, al colocar la cámara más o menos lejos del tema, dibujamos el detalle, lo subordinamos, o por el contrario, nos dejamos tiranizar por él. En ocasiones, insatisfechos, quedamos atrapados, esperando que ocurra alguna cosa; a veces se rompe todo y no habrá foto, pero si, por ejemplo, de repente alguien cruza ese espacio, seguimos su trayectoria a través del cuadro del visor, esperarnos, esperamos… disparamos, y nos vamos con la sensación de haber obtenido algo. Después, podremos entretenemos trazando la media proporcional en la foto o alguna otra figura, y comprendemos que disparando en ese preciso instante, hemos fijado, instintivamente, los lugares geométricos precisos sin los que la foto sería amorfa y carente de vida. La composición tiene que ser una de nuestras preocupaciones constantes, pero en el momento de fotografiar no puede ser más que intuitiva, ya que nos enfrentamos a instantes fugitivos en que las relaciones son móviles. Para aplicar la relación de la “sección áurea”, el compás del fotógrafo no puede estar más que en su ojo. Ni que decir tiene que todo análisis geométrico, toda reducción a un esquema, sólo puede producirse cuando ya está hecha la foto, cuando está revelada, cuando hemos sacado copia y no sirve más que de materia de reflexión. Espero que no llegue el día en que se vendan los esquemas grabados sobre cristales pulidos. La elección del formato de la cámara juega un papel determinante en la expresión del tema; el formato cuadrado tiende a ser estático por la similitud de sus lados; por algo será que, no hay lienzos cuadrados. Si recortamos, aunque sea un poco, una buena foto, destruimos fatalmente este juego de proporciones y, por otra parte, es muy raro que una composición cuya toma es floja pueda salvarse buscando la manera de recomponerla en el cuarto oscuro; al recortar el negativo en la ampliadora, se pierde la integridad de la visión. A menudo oímos hablar “de los ángulos de toma de vistas” cuando los únicos ángulos que existen son los ángulos de la geometría de la composición. Son los únicos ángulos válidos y no los que consigue el tipo que se tumba en el suelo para “obtener efectos” u otras extravagancias.

La técnica

Los descubrimientos de la química y de la óptica amplían nuestro campo de acción; a nosotros nos corresponde decidir cómo aplicarlos con el fin de perfeccionar nuestra técnica. Existe, sin embargo, un verdadero fetichismo desarrollado en torno a la técnica fotográfica. Esta debe crearse y adaptarse, únicamente, para realizar una visión; es importante en la medida en que debemos dominarla para que nos devuelva lo que vemos; lo que cuenta es el resultado, la prueba de certidumbre que deja la foto. Si esto no fuera así, no pararíamos de describir todas las fotos fallidas que sólo existen en el ojo del fotógrafo.

Nuestro oficio, el oficio de reporteros, sólo cuenta con una treintena de años; se ha perfeccionado gracias a unos aparatos pequeños y fácilmente manipulables, dotados con objetivos muy luminosos y gracias a películas de grano fino, muy rápidas, a las que se ha llegado por las necesidades del cine.

Para nosotros la cámara es un instrumento y no un bonito juguete mecánico. Basta con sentirse cómodo y tener la certeza de que esa es la cámara que conviene para lo que pretendemos hacer. El manejo de la cámara, del diafragma, las velocidades, etc., tiene que ser un acto reflejo, como cambiar de velocidad en un coche, no hay nada que comentar acerca de estas operaciones por complicadas que sean; se enuncian con precisión militar, en el manual de instrucciones que proporcionan los fabricantes junto con la cámara y su funda de piel de vaca.

Hay que superar ese estadio, al menos en las conversaciones. Lo mismo cabe decir en el revelado de las pruebas.

En la ampliación, hay que respetar los valores de la toma o, para restablecerlos, modificar la prueba según el espíritu que ha prevalecido en el momento de la toma. Hay que restablecer el equilibrio que el ojo establece continuamente entre una sombra y una luz, y por ello los últimos instantes de creación cinematográfica transcurren en el laboratorio.

Siempre me ha divertido la idea que determinadas personas tienen de la técnica en fotografía, un gusto inmoderado por la nitidez de la imagen. ¿Es pasión por lo minucioso, por el acabado, o acaso esperan que ese trompe-loeil se ajuste mejor a la realidad? Por lo demás, estas ideas están tan alejadas del verdadero problema como lo estuvo aquella otra generación que envolvía con un flou artístico todas sus obras.

Los clientes

El aparato fotográfico permite obtener una especie de crónica visual. Nosotros, los reporteros-fotógrafos, somos gente que proporcionamos información a un mundo apresurado, abrumado de preocupaciones, propenso a la cacofonía, lleno de seres que necesitan la compañía de las imágenes. El escorzo del pensamiento que es el lenguaje fotográfico tiene un gran poder, pero conlleva un juicio sobre lo que vemos y eso implica una gran responsabilidad. Entre el público y nosotros, se sitúa la impresión, que es el medio de difusión de nuestro pensamiento; somos artesanos que elaboramos la materia prima y, después, la entregamos a las revistas ilustradas.

Experimenté una verdadera emoción cuando vendí mi primera foto (a la revista Vu), fue el inicio de una larga alianza con las publicaciones ilustradas; son las que dan valor a lo que uno ha querido decir pero, desgraciadamente, en ocasiones también lo deforman. La revista difunde lo que ha querido mostrar el fotógrafo, pero éste, sin duda, se arriesga a que los gustos y las necesidades de la revista deformen su obra por completo.

En un reportaje, los pies de foto deben ser el contexto verbal de las imágenes, o pueden completar la imagen con lo que no se puede obtener con la cámara; desgraciadamente, en las salas de redacción pueden colarse algunos errores; no siempre son simples gazapos, y, a menudo, el lector hace al fotógrafo único responsable. Son cosas que ocurren…

Las fotos pasan por las manos del redactor jefe y por las del compaginador. El redactor debe escoger entre la treintena de fotos que suelen constituir un reportje (en cierto modo, es como si tuviera que cortar un texto para extraer citas de él). El reportaje tiene formas fijas al igual que la noticia y las imágenes seleccionadas se desplegarán en dos, tres o cuatro páginas según el interés que hayan despertado en el redactor y la incidencia, en ese momento, del precio del papel.

No se puede, mientras se está haciendo el reportaje, pensar en su futura compaginación. El gran arte del compaginador consiste en saber extraer de un abanico de fotos la mejor imagen para ir a toda página, a doble página, o saber insertar un documento pequeño de manera que haga las veces de locución conjuntiva en la historia. A menudo ocurre que el compaginador tiene que cortar una foto y conservar sólo la parte que le parece más importante, dando prioridad a la unidad de la página, y lo que suele ocurrir, es que con ello se destruye la composición concebida por el fotógrafo…; aunque, a fin de cuentas, es al compaginador al que le debemos el reconocimiento de una buena presentación, en la que los documentos están encuadrados con los márgenes en los espacios justos, y en la que cada página, con su arquitectura y su ritmo, expresa bien la historia tal como ha sido concebida.

En fin, la última angustia del fotógrafo es previa al momento en que hojea la revista y descubre su reportaje…

Me he extendido sobre un único aspecto de la fotografía, pero es evidente que hay muchos otros, desde las fotografías de un catálogo de publicidad hasta las conmovedoras imágenes que se tornan amarillentas en una cartera con el tiempo. No he pretendido, pues, tratar aquí la fotografía desde un punto de vista general.

Para mí una fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, por una parte del significado de un hecho y, por la otra, de una organización rigurosa de las formas percibidas visualmente que expresan ese hecho.

Viviendo es como nos descubrimos, a la vez que descubrimos el mundo exterior; este mundo nos da forma, pero también podemos actuar sobre él. Debe establecerse un equilibrio entre esos dos mundos, el interior y el exterior que, en un diálogo constante, forman uno solo, y ése es el mundo que debemos comunicar.

Pero todo esto hace sólo referencia al contenido de la imagen y, para mí, el contenido no puede separarse de la forma; por forma entiendo una organización plástica rigurosa en virtud de la cual, únicamente, nuestras concepciones y emociones devienen concretas y transmisibles. En fotografía, esta organización visual no puede ser más que el fruto de un sentimiento espontáneo de los ritmos plásticos.

1952

La fotografía y el color

(Posdata, 2 de diciembre de 1985)

El color, en fotografía, está basado en un prisma elemental y, de momento, esto no puede ser de otro modo, ya que no se han hallado los procedimientos químicos que permitan la descomposición y la recomposición del color debido a su complejidad (en los pasteles, por ejemplo, ¡la gama de verdes tiene 375 matices!).

Para mí, el color es un medio muy importante de información, aunque la reproducción se ve limitada por la química y no puede ser trascendental, debe ser intuitiva como en pintura. A diferencia del negro, cuya gama es más compleja, el color no ofrece más que una gama completamente fragmentaria.

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La fotografía parece una actividad fácil; es una operación diversa y ambigua en la que el único denominador común entre los que la practican es la herramienta que se usa. Lo que sale de esa cámara no es ajeno a la economía de un mundo de despilfarro, donde las tensiones son cada vez más intensas y donde las consecuencias ecológicas son ya desmesuradas.

Fotografiar es retener la respiración cuando todas nuestras facultades se conjugan ante la realidad huidiza; es entonces cuando la captación de la imagen supone una gran alegría física e intelectual.

Fotografiar, es poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira.

En lo que a mí respecta, fotografiar es una manera de comprender que no puede separarse de los otros medios de expresión visual. Es un modo de gritar, de liberarse, no de probar ni de afirmar la propia originalidad. Es una manera de vivir.

La fotografía “fabricada” o puesta en escena no me interesa. Y si la valoro en algún sentido, no puede ser más que a partir de un punto de vista psicológico o sociológico. Están los que hacen fotografías previamente amañadas y los que van a la búsqueda de la imagen y la capturan. El aparato fotográfico es para mí como un cuaderno de esbozos, el instrumento de la intuición y de la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, cuestiona y decide a la vez. Para “significar” el mundo, hay que sentirse implicado con lo que el visor destaca. Esta actitud exige concentración, disciplina del espíritu, sensibilidad y sentido de la geometría. La simplicidad de la expresión se consigue mediante una gran economía de medios. Hay que fotografiar siempre partiendo de un gran respeto por el tema y por uno mismo.

La anarquía es una ética.

El budismo no es ni una religión ni una filosofía sino un medio que consiste en dominar el espíritu con el fin de acceder a la armonía y, por compasión, ofrecérsela a los demás.

1976, PDF

El primero de ellos habla de Blogger, uno de los sistemas de publicación de blogs más conocidos, propiedad de Google. El segundo habla de Pixelpost, probablemente el sistema de gestión de contenidos específico para fotoblogs más popular. Para acabar, el último habla de Shutterchance, Aminus3 y PixyBlog, tres servicios que nos permiten tener un fotoblog de aspecto bien cuidado de una manera muy sencilla.

El conflicto del Tíbet, los Juegos Olímpicos de Pekín, la guerra en Georgia, las elecciones norteamericanas y la crisis financiera son algunos de los acontecimientos que han marcado el transcurso del año 2008 y que han sido inmortalizados por las cámaras.